Là où James Blake devient trop intime, Greenwood Sharps, jeune producteur londonien, trouve toute sa liberté avec plus d’aisance et d’équilibre. Très peu connu et n’ayant sorti qu’un EP, il a quand même reçu l’attention de grands artistes tels que Jamie XX pour son travail très précis, efficace et profond. Chronique !

Bon partons d’un point simple. Ce qui rend le LP de James Blake détestable pour certains, c’est sa voix autotunée en abondance et son côté trop intime. Greenwood chante aussi, distord sa voix, et sa musique est extrêmement similaire à celle de Blake, sans pour autant aboutir à un néant électronique. Toujours ce même côté fantomatique, intriguant, éthéré et profond… mais beaucoup plus dynamique. Il intègre alors des basses très deep pour aboutir à de magnifiques drops comme sur le magnifique Allow The Long où on sent vraiment l’influence de James Blake et particulièrement de sa chanson I Never Learnt To Share, ou encore sur l’excellent Leucosia où on entendrait presque les synthés de ce dernier.

On croirait presque entendre le côté naturel et vivant de Baths avec l’harmonie de ces samples de bruits de la nature… ou encore la profondeur des drums de Burial. Associé à l’utilisation magistrale de sa voix, il arrive à créer parmi ce qui s’est fait de plus mélodique en post-dubstep en 2011. Greenwood Sharps ne plagie pas ces artistes, cependant il arrive à maîtriser leurs sonorités avec brio et même les réutiliser à sa manière et sans pour autant simplement mélanger ces éléments dans un mixeur. Non, Greenwood Sharps n’est pas une superposition de la musique de James Blake, de Mount Kimbie ou encore celle de Baths. C’est la balance optimale entre les trois, la beauté du dubstep du futur et sûrement ce qui donne le plus de sens au terme post-dubstep.

C’est quand même dommage que la majorité des sons prennent du temps à démarrer. Le drop de Allow The Long par exemple se situe dans le dernier tiers de la chanson, qui dure 6 minutes alors que celui de Leucosia est dans la dernière minute. Après, ça donne un côté plus laid-back et moins agressif à sa musique, très joviale et objectivement belle.

On peut quand même dire que Things Familiar est l’une des meilleures productions du mouvement post-dubstep. Qu’il s’agisse de sa maîtrise de la voix, de ses beats très profonds et de leur profondeur éthérée, ou encore de ce côté tellement naturel et efficace, cet EP est sans conteste un concentré de bonheur et de surprises.

Tous frais, tous nouveaux, Lcassetta revient avec son lot de groupes à découvrir. Votre webzine préféré vous propose de savourer les délices des compositions originales de Fixers, danser aux rythmes de la musique rock latine avec El Río, goûter aux plaisirs de la bonne production avec Films of Colour et transgresser la norme sonore avec Brick+Mortar. Armés de leurs instruments, ces groupes dénichés aux quatre coins du globe n’ont qu’une seule et unique mission : égayer votre quotidien.

• Fixers

Formé à Oxford, en Angleterre, Fixers détient la recette permettant de percer dans le milieu prisé du rock. Avant-gardiste et originale, la musique du quintette est un melting-pot réunissant pop psychédélique et musique expérimentale. Un mélange inhabituel qui leurre délicieusement nos oreilles. Des cloches sonnées à vide par-là, des enchaînements surprenants à la batterie par-ci et la voix de Jack Goldstein qui fusionne parfaitement avec les cliquetis et brouhahas de leurs instruments.

Another Lost Apache signe l’armistice entre chant doux et musique déchaînée. Un début à la messe du dimanche puis surprise, on fait sonner les percussions. On est loin des compositions monotones du genre. Jack Goldstein régule majestueusement sa voix pour épouser à la fois la mélodie suave et le rythme percutant qui  régissent la chanson. Ses bandmates le rejoignent progressivement au chant, avec une voix basse, afin de bercer clandestinement nos sens.

Majesties Ranch est le mariage d’une sono lustrée et des riffs fuzzy d’une guitare possédée par les démons de la nonchalance. Une mélodie riche en rebondissements, guidée par une voix Andrew Vanwyngarden-like, qui s’empare de votre esprit et vous plonge dans un univers cosmique avec en arrière-son, une composition au clavier qui retentit au loin et une synth à l’écho trempé.

• Films of Colour

Vers une musique plus tempérée et pensive, on met le cap sur l’île des Films of Colour. Une electro modérée et un chant à la Snow Patrol, on partage ici un chagrin profond décrit par des mélodies maîtrisées. Originaire de Londres, Films of Colour combine rave et electronic pour nous concocter des chansons d’une mélancolie de junkies : pesante et révélatrice à la fois. Une formule qui classe FOC parmi les groupes à la musique poignante comme Coldplay; une sincérité dans le chant qui risque de toucher les plus durs d’entre vous.

Persinette est l’histoire d’un amour plein de rebondissements. Le passage d’un ton discret à un autre, plus marqué, illustre bien l’ambiance eau de rose. L’instru à la Delphic, frustrante à la longue, vous retient presque prisonnier. On ne saurait suivre le “You were born that day / You still fail to see” teinté d’une mélodie suave ou le “… you turn in / Yeah you turn in” méchamment percutant. Une hybridité dans la construction de la chanson fait que l’on ne s’en lasse pas.

Le clip vidéo est à regarder en boucle. Une perle filmée par des amateurs mais qui calque parfaitement les paroles de la chanson.

Films of Colour – Persinette

Capital est plutôt axée psyché-space. Une autre preuve de l’habilité des Films of Colour à écrire des chansons addictives. Capital est un morceau d’une ambiguïté agréable dans le chant. Des sons qui émanent de tous les coins, une requiem enchanteresse jouée au clavier et puis un jeu relativement dynamique à la batterie.

• El Río

“We are just people from the world.” disaient-ils. Est-ce pour échapper aux stéréotypes ? Ou pour donner un côté “nomade” à leur musique? Ce que je peux vous confirmer, c’est que leurs chansons n’en demeurent pas moins bonnes. El Río tire ses ressources de la musique latine dont le rythme est omniprésent sur leur album “So Old As To Have Become New Again”. Adeptes des riffs stridents et percussions ambiance vacances d’été, ils nous livrent une electropop énergétique pleine de béatitude, un mélange de power rock et ton acoustic qui fait que El Río produise une musique originale.

Doses est le petit chef d’oeuvre par El Río. On se prend facilement à sa rythmique poussée, ses riffs horror rock accompagnés d’une voix off puissante. Un “I needn’t have spent all my doses” au cri bien cadré donne une intensité remarquable au refrain. On est pris dans l’entrave, pris au loin, on suit méticuleusement le deuxième temps du refrain guidés par le jam pétillant d’une guitare fuzzy.

Found est le “how to dance” de l’album, l’hymne chantée dans une banlieue brésilienne. On se sent transportés vers une Favela libre de tous problèmes, se promenant dans ses ruelles entourés par une nuée de gamins qui gesticulent nonchalamment. Jouée sur un tempo agréable, Found joint musique latine et pop tirée par les cordes. De bons moments ancrés en votre esprit qui refont surface et c’est parti pour 3 minutes de déhanché.

El Río seront en tournée dans toute l’Europe cette année. Je vous les conseille vivement si vous voulez passer une soirée mouvementée, histoire de vous débarrasser des traces de vos repas consistants.

• Brick+Mortar

Le meilleur pour la fin, naturellement. Brick+Mortar est la symbios entre le démesuré, le trivial, le surpuissant et l’incapable. Un duo spirituellement lié qui manie sa musique avec une dextérité sans pareille. “We play drums and guitars. We are poets.” ; Les Brick+Mortar donnent à leurs chansons une dimension supersonique ex nihilo : la preuve qu’on peut produire des merveilles avec trois instruments et quelques samples. Leur psyché magnétique et envoûtante intrigue et provoque. Un univers minimaliste mais grandiose, qui parait commun mais qui est unique.

Heatstroke, qui définit parfaitement le groupe, est une mixture de sons éclectiques interprétés par un jeu de batterie adéquat à la voix toute aussi originale de Brandon Asraf. On ne saurait définir précisément son accent, tantôt nordique pour transformer des paroles en un chant exquis, tantôt anglais pour chanter majestueusement le refrain. Un soupçon de post-rock, une batterie folk pour peaufiner les transitions et nous voilà en face du tube de ce début d’année.

Qui ne rêverait pas d’une rave party comme on en fait plus, à Berlin ? Vous n’avez pas le temps ? No problemo. For Yellow Walls est votre passeport. Finissez de fumer ce que vous avez entamé, sniffez la poudre blanche étalée sur votre table basse et prenez votre demi cachet de stupéfiant. Préparez-vous à tout oublier. Suivez les consignes. Dansez aux echos de For Yellow Falls, sautez au rythme de ses percussions frénétiques et criez au “HEY WAIT!” de Asraf.

Qu’elles fassent office de berceuses ou qu’elles égayent vos soirées, prenez le temps de savourer chaque seconde de ses perles. Soutenez ces groupes et intégrez leurs univers, ils sont bien partis pour percer.

Omar Serghini Idrissi (Omar Serghini Idrissi)

Omar Serghini Idrissi alias OSI, addict à l’indie rock, sexuel à temps plein et fervent adorateur de Casablancas.

Kendrick Lamar est l’un des rappeurs les plus talentueux de sa génération. Celui que Dre, Game, et Snoop Dogg ont couronné “New King Of The West Coast” mérite largement ce titre honorifique. Considéré comme le successeur du légendaire Tupac, il a sorti son premier album, après plusieurs mixtapes, cette année : Section.80 ! Chronique.

A 24 ans, Kendrick Lamar a déjà un succès underground phénoménal. Ayant travaillé avec les plus grands, et surtout avec le mythique Dr Dre, on peut dire qu’il a réussi. Mais surtout, il apporte à son travail une approche originale, fraîche, et incontestablement très bien travaillée. Avec un excellent flow, des lyrics qui touchent la génération Y, et une production très variée, on appréciera la majorité de son travail.

Successeur de Tupac ? Le jeune Kendrick, a 8 ans, était fasciné par California Love, et a décidé de faire du rap sa carrière. Section.80, selon lui, a été inspiré par un rêve qu’il a eu, celui du légendaire Tupac qui lui aurait dit Keep my music alive. Mais on retrouve une touche personnelle et originale qui différencie son travail de celui de Tupac. Du conscious rap visant souvent la jeunesse, en passant par beaucoup de délires, Kendrick se fait le porte parole des jeunes.

Le premier truc qu’on remarque, c’est la qualité de la production. Très variée, très fine, et originale, c’est un véritable plaisir. De ADHD qui sample The Jet Age Of Tomorrow pour un son très doux, à The Spiteful Chant qui sample Iron de Woodkid, on a beaucoup de surprises ! Sur des beats très chill, des fois R&B, des fois plus électro, voire downtempo, avec toujours cette douce touche de Jazz très chill qui ont fait la gloire de A Tribe Called Quest, Kendrick Lamar maîtrise chaque beat avec son excellent flow. On appréciera aussi le fait que la majorité des beats utilisent une vague ambient qui fait très Cloud Rap, et très frais… L’art maîtrisé par Shabazz Palaces ou Clams Casino est très bien réutilisé ici. Un bonheur musical qui réinvente la G-Funk ! ADHD, Chapter Six, Kush & Corinthians, Hol’ Up etc représentent le plus cette production. Et c’est très catchy ! Le woopy woop woopy woop woop de Ronald Reagan Era est resté des jours dans ma tête.

Son flow est très mélodique, souvent doux, et très touchant. Toujours synchro, on voit qu’il sait ce qu’il fait, qu’il ne fuck pas avec les beats comme n’importe quel amateur : Non, Kendrick Lamar rappe aussi bien que les légendes du hip-hop. Il s’autorise même des exercices de flow comme sur le très bon Rigamortis, où il rappe progressivement, de plus en plus vite, pour à la fin lancer des rimes comme s’il avait fait ça depuis sa naissance. Même son chant est bon, et très présent (très, et non pas trop, car on ne s’en plaindra jamais).

Kendrick but ?

Cependant, ce qu’on appréciera le plus, c’est les messages qu’il délivre. ADHD en est l’exemple parfait : Une ode à la génération des jeunes, à travers la métaphore de la folie : You know why we crack babies, because we born in the 80s, That ADHD crazy !  Cette vision différente qu’ont les jeunes, cette revendication de cette manière de penser, etc. C’est ce qu’il prône. Les problèmes de coeur, comme sur l’excellent Tammy’s Song au beat hypnotisant et unique, ou encore sa vision de la beauté sur le très beau No Make-up, ses messages de paix sur Fuck Your Ethnicity. Et en général ses lyrics sont toujours très fines.

Son album dure 1 heure, mais il est difficile de passer certains son. Entendez par là qu’ils sont tous bons, mais qu’il n’essaye pas d’être aussi bon que sur d’autres sons. Mais on excusera ça, le tout étant très mélodique. Cependant, aucun son n’est réellement excellent. Tous les sons sont relativement très bons, mais aucun n’est transcendant.

Ainsi, Kendrick Lamar a eu de bons professeurs, et s’impose aujourd’hui comme l’un des meilleurs rappeurs existants. A seulement 24 ans, on sent déjà que ce jeune rappeur a énormément de talent, et qu’il peut encore s’améliorer… Oui, la majorité des sons sont bons, certains sont très bons, mais il y a quand même peu de tracks qui seront remémorés dans 4 5 ans comme des classiques. Il se donne pas à fond, mais ça reste déjà un travail de qualité vu son incommensurable talent, et c’est incontestablement l’une des meilleurs productions hip-hop de l’année ! A écouter d’urgence.

Deux artistes que tout oppose, se réunissent dans une passion qui les réunit. Et le résultat est magique… Jamie XX réussit un exploit hors du commun pour s’approprier la musique de Gil Scott Heron. Les opposés ne s’attirent-ils pas naturellement ?

Gil Scott Heron est un artiste qu’on peut qualifier d’expérimenté. This nigga look like an african poet, dirait notre jeune ami Earl Sweatshirt. Et c’en est bien un. Né durant la première moitié du XXe siècle, il est un fervent défenseur de ses pairs vivant dans la rue, et une icône pour la communauté noire. Considéré par les plus grands artistes contemporains du genre comme le parrain du rap, il a vécu dans le Bronx. Pourquoi je vous raconte tout ça ? Pour que vous preniez conscience de sa sagesse. Un Homme mature que le poids des années et la drogue auront dévasté pendant une longue décennie, dès le début du troisième millénaire. Ceci pourrait nous faire croire qu’il a été oublié et dépassé par le temps, qui aurait rendu son image obsolète et la sagesse de ses poèmes discréditée.

Ce que je veux que vous compreniez, c’est que Gil Scott Heron n’est pas mort. Un artiste aussi engagé, mûr et fier ne meurt jamais. Malgré dix difficiles années vécues avec la drogue, et malgré son exclusion progressive après que son label ne l’ait rejeté, l’Afro-Américain ne s’est jamais aussi bien porté. En 2010, il sort alors I’m New Here, un album-thérapie superbe. Il marque son retour comme s’il était véritablement new here. Il s’en sert alors pour écrire et décrire son regret, ses peines, et son repentir dans une ambiance musicalement sombre et profonde, voire mélancolique. Le poids du temps et l’amertume du regret se ressentent sur son flow plus lent, sombre, et brut. Il abandonne son style Funk et Soul pour se lancer dans un rythme tellement minimaliste que l’ampleur de ses mots en est intensifiée. Une symbiose entre Jazz, Blues, et Trip-hop, il a délivré un album sur lequel il se livre comme s’il s’agissait d’un confessionnal. Gil Scott Heron nous fait part de chansons belles et profondes sur une production intime. Gil Scott Heron est un ancêtre, un sage auquel on doit le respect.

Jamie XX a tout juste la vingtaine. Il n’est pas connu. C’est un nouveau dans le business de la musique qui n’a rien créé. Qui est-il ? Il complète le trio de The XX et est le seul membre à ne pas chanter. Il n’est profond qu’à travers la création de la musique, quand son ancêtre est profond à travers les mots qu’il prononce ou chante. Il compose des sons plutôt Dubstep, Glitch-Hop et New Wave, soit un univers musical où les mots importent peu… et Jamie XX a remixé I’m New Here.

Bref. Gil Scott Heron est un poète afro américain engagé et expérimenté, Jamie XX est un DJ dubstep anglais qui fait ses premiers pas. Leur collaboration, vue sous cet angle, paraît risquée et improbable. Vous avez déjà essayé de jouer avec votre grand-père aux jeux-vidéo ? Imaginez vous si lui même vous donnait son ancien tourne-disques. Lequel des deux sera le plus déboussolé et perdu ? Ici, aucun des deux.

Cet album n’est pas un remix, c’est une toute nouvelle création, même plus qu’une réinterprétation. Il existe une symbiose totale, qu’on ressentirait presque comme naturelle, dans le fruit de ce travail basé sur deux univers différents. Là où Jamie XX n’est pas adapté, la profondeur de Gil Scott Heron rend ça plus plaisant. Là ou Gil Scott Heron est trop mélancolique, Jamie XX lui rajoute un brin de fantaisie. Les deux se complètent comme s’ils n’étaient qu’un.

On ne peut reprocher à GSH qu’une seule chose : Son manque de funk et ce punch qu’il a perdu pour laisser place à sa profondeur. C’est excusable vu ce qu’il a vécu et son effort de renaissance musicale. Le jeunot se sert de son talent pour redonner ce manque de fraîcheur à un Gil Scott Heron qui veut sa revanche. Sur des rythmes excellemment bien produits, il fait plus que superposer la voix de son aîné, il la reconstruit, et l’adapte à son propre monde.

Ainsi, avec des morceaux tels que The Crutch, on vit une expérience musicale magique où la profondeur des mots du poète est amplifiée par la puissance et l’aura angélique qui s’en dégage. Tout le flow brut de Gil Scott Heron est remodelé par le jeune DJ. On ressent véritablement la qualité du travail de l’anglais dans des morceaux comme Ur Soul And Mine où il transforme une mélodie sombre et mélancolique en une hymne à la vie. Il réinvestit la discographie de Gil Scott Heron pour retravailler de manière progressive, et profonde, un poème sur la mort. Il mélange alors Deep House et Progressive House pour créer quelque chose d’encore plus beau et profond que le travail de son aîné. Il ravive sa flamme et le fait renaître.

La vitesse et la puissance de sons comme Running ou NY Is Killing Me se ressent à travers des rythmes plus D’n’B et Dubstep. Jamie XX ne rigole pas, il n’a pas simplement repris la base des sons de Gil Scott Heron pour la poser sur un random mix, il a fait en sorte de créer du neuf avec du vieux. C’est la base du sampling me direz vous ! Sauf qu’ici il compose. Sur des sons de cette trempe, il crée des beats très puissants et profonds, amplifiant le désarroi du poète. La voix amère de ce dernier sur NY Is Killing Me est amplifiée par l’écho et le chant soul derrière. On oublie l’univers minimaliste d’I’m New Here car ici les sons sont tellement profonds et chill que Gil Scott Heron semble être encore plus nouveau. Le son en question était d’ailleurs l’un des plus simples, chanté sur de simples “clap”, et il se retrouve l’un des plus complexes de l’album.

Les interludes plus dans le style de Gil Scott Heron gardent une authenticité dans cette recomposition musicale, même si cette recomposition n’a en aucun cas mis le travail de Gil Scott Heron à l’écart.

La voix magnifique du poète est excellemment bien réinterprétée dans cet opus. Le charisme et l’ampleur de l’afro-américain se ressent encore plus fort, grâce à la création musicale du jeune anglais.

Jamie XX est le génie qui a réussi l’exploit de recomposer autre chose à partir d’un son qui n’est pas à lui. Il se l’est approprié et a réussi à créer une symbiose entre un son mélancolique et minimaliste, et son propre univers électronique, abstrait et psychédélique. We’re New Here est plus qu’un remix. C’est un travail équitable qui dose chaque identité de l’artiste dans chaque son, sans mettre chaque identité d’un côté, mais en les mélangeant et en y créant de nouveaux horizons, entre profondeur lyrique et rythme dansant. Jamie XX a reconstruit Gil Scott Heron et lui transmet son énergie de jeune débutant pour refaire de lui une icône. Ils sont tous les deux nouveaux ici, mais le talent et la créativité de l’un est libérée par l’expérience de l’autre. La rencontre de deux univers, de deux forces, est toujours une merveille, ne serait-ce que pour l’exploit que ça représente. L’union de ces deux artistes que tout oppose nous le montre ici, à travers ce chef d’œuvre qui allie musique post-moderne et histoire d’un passé musical lourd. La sagesse de l’ancêtre et l’ambition du jeune ne peuvent que résulter en un travail aussi abouti quand les deux sont talentueux.

Gil Scott Heron n’est pas encore mort, il ne fait que renaître, sauf qu’il n’a plus rien à prouver. Jamie XX fait son chemin de manière excentrique, car il s’impose comme un producteur de génie dès le début de sa carrière, osant le coup risqué de reprendre le travail d’un maître pour le rendre parfait. Ils sont bien nouveaux ici, mais à leur manière…

Un excellent 8.8/10.